Artistes 2019

Smoka

Mate & Jin

Astus²

OzLight

Smoka

Mate & Jin

Astus²

OzLight

Danny Figueroa, aka WESR, est né en 1980 dans la capitale du Pérou, Lima, où il a également commencé sa carrière comme graffeur en 1996. Son enfance a été fortement affectée par le choc culturel dans lequel les traditions ethniques de son pays ont été confrontées à la prochaine américanisation, ce qui lui a appris comment faire face à une overdose visuelle due à la combinaison de différents styles. Cela se reflète également dans son art, dans lequel il réunit l’esthétique des illustrations graphiques traditionnelles et contemporaines japonaises avec des éléments de l’art indigène péruvien. Son œuvre s’étend entre le muralisme, la peinture et l’illustration et est marquée par des figures abstraites avec des visages masqués qui pourraient rappeler le futurisme du début du XXe siècle. Depuis 2008, il vit et travaille à Berlin.

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

« L’homme, les traditions et la nature »

Ce qui me plaît de peindre dans l’espace public, ce sont les surprises que vous pouvez apporter au public. Les histoires qui peuvent être alors générées à travers l’inconscient et conditionnées par les circonstances. Si l’art fait partie de l’âme, que seraient les artistes de cette époque dans les cultures précolombiennes ? Serions-nous des chamanes ? Si l’inspiration était une ou plusieurs divinités, nous serions ses fidèles et nous céderions à ses souhaits… Pour cela, nous allons devenir des sculptures d’histoire racontant des rêves et bien plus encore… Je suis venu construire une histoire… une histoire pleine d’amour, de culture, de foi et de mysticisme et je me demande : le public de Saint-Brieuc verra t-il les esprits jouer avec les éléments en train de transformer le ciel en mer par l’intermédiaire de portails ? Verra t-il l’homme avec l’âme d’une bête dévorée par l’herbe..?

Ender est né en 1973. Il a vécu 25 ans dans le quartier de Belleville à Paris (haut lieu du street-art parisien dans les années 80), dont les murs marqueront le petit garçon qu’il était. Le plus souvent, ses interventions dans les rues sont des pochoirs réalisés préalablement sur papier puis collés sur les murs. Ce choix du collage plutôt que celui de la peinture provient d’une double nécessité.

D’autre part, les œuvres sur papier ont vocation à exister sur le mur de manière extrêmement éphémère. L’objectif est de surprendre le passant-spectateur, de le faire sourire devant l’apparition soudaine, au matin, d’un pochoir sur le mur. Sa disparition, parfois rapide, parfois moins, due aux services de nettoyage de la ville, aux « collectionneurs », aux intempéries ou à l’action du temps qui irrémédiablement effacera le pochoir, est donc partie intégrante de l’œuvre et du support utilisé.

« Mes interventions dans la rue ne sont pas si éloignées de mon activité de comédien, mes pochoirs sont mes personnages, la rue, le théâtre. Le tout est de mettre en scène, de faire correspondre les deux pour que le mur donne du sens aux pochoirs, le pochoir du sens au mur. Une fois le collage réalisé il vivra sa courte vie, il devient la propriété des passants qui poseront ou pas le regard sur lui. Avant d’être arraché, tagué, volé parfois, ou nettoyé, j’espère qu’il aura étonné et donné un sourire à ceux qui auront eu la gentillesse de la regarder. »

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

« Cherche et trouve »

Pour le festival Just Do Paint 2, j’ai souhaité intégrer au maximum mes pochoirs dans le tissus urbain . La ville de Saint-Brieuc a cette particularité d’avoir de nombreuses boutiques « inoccupées » me donnant le contexte parfait pour mes œuvres. Essayer d’apporter un peu de poésie dans la ville, sur des portes, des murs…et pouvoir « faire partie » pour un temps (peut être même court…) de l’histoire de ces murs. En plaçant une vingtaine de pochoirs dans le centre ville, j’ai souhaité aussi apporter un aspect ludique, un jeu de piste artistique. Deux thèmes se dégagent de mes pochoirs: le thème des anges et le thème de la fragilité et de l’éphémère… Entre Éternité et fragilité.…

Peintre aérosol rennais, Denz vient du mouvement graffiti travaillant les styles 70′, 80′, lettrages en tout genre et personnages. Il a débuté en 1990 avec l’équipe RCK et l’association du même nom. Au fil des années le style évolue, et c’est logiquement vers la culture custom qu’il revient. Depuis toujours il dessine des véhicules et des personnages essayant de les piloter.

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

« Graffiti & Rock’n’roll »

J’aime prendre le temps de peindre et de partager mon univers. Au fil des années mon style évolue, vers la culture custom et Rock’n’roll. J’aime peindre des véhicules et des personnages essayant de les piloter avec les légendaires flamings inspirés des fous du volant. Étant de la scène graffiti Old School Rennaise, je laisse souvent dans mes peintures la trace d’un lettrage, base de la culture Graffiti.

« Le dessin, c’est pour moi avant tout une vocation. J’ai commencé à dessiner quand j’étais gosse et ce plaisir de tenir un crayon, ou aujourd’hui la spray, ne m’a jamais quitté. Je suis né en Alsace, dans un village voisin de la Suisse et c’est peut-être pour ça qu’on me décrit parfois comme un « couteau suisse ». Je suis graphiste, illustrateur, artiste graffiti, je n’ai pas particulièrement de supports de prédilection mais juste la passion de pousser ma technique et mes outils le plus loin possible. Je suis un accro des détails. Mon trait s’inspire simplement de mon quotidien et de ce qui peut croiser mon chemin … Un week-end à la campagne, un bon album de musique,… sont des sources d’inspiration évidentes. Mais je me nourris aussi des rencontres que je fais à chaque Event. Je suis un homme de partage, c’est comme ça 😉 ! Je croise des personnes tout aussi passionnées que moi et passionnantes qui alimentent mes réflexions, font évoluer la manière de voir mon métier et le graffiti d’aujourd’hui. Compléter mon travail par des moments de vie, c’est comme ça que je fonctionne ! »

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

« Les poissons chats »

L’histoire de cette fresque est originale, car lors de mon arrivée sur place, je ne s’avais pas fait attention à la taille et au positionnement des panneaux de stationnement situés juste devant le mur… Chose faite ! j’ai changé totalement ma vision et mon esquisse afin que ma peinture prenne en compte la situation du mur dans son environnement. j’ai crayonné vite fait une esquisse sur papier et je suis partie en « Freestyle » sur le mur. j’ai représenté des poissons chats illustratifs et irréel afin de vous faire voyager dans mon univers décalé et poétique.

Fasciné par toutes les couleurs et les fresques aux dimensions incroyables, Smoka découvre le graffiti dans les années 90. En parallèle de ses études artistiques, il décide de s’attaquer au format supérieur en dessinant directement sur les murs. En 1998, il se lance donc à l’assaut du graffiti dans sa région natale qu’est la Bretagne. Perfectionniste de nature, il explore différents styles à la technique exigeante. De la 3D fine aux blocks imposants, il reste en perpétuelle quête de nouveaux lettrages et multiplie les rendus. Aujourd’hui, son travail mêle typographies et matières, dans l’objectif de rendre dynamiques ses compositions.

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

« Force de la nature »                                                                                                      

C’est un combat engagé par l’homme contre la nature. La figure du samouraï « Force de la nature » guerrier prêt à mourir au combat, est habitée par des motifs issus de la nature. Un parallèle est dressé entre l’homme, sûre de sa force, et la réelle force des éléments. L’eau, le vent, la lune, les montagnes, la vague sont autant d’éléments agressés par l’humain qui malgré tout survivront peut-être à ce combat.

Née à Paris en 1984, Doudou’Style, artiste autodidacte, tient son nom de ses origines martiniquaises. Influencée par le graphisme des bandes dessinés, des mangas et de tout ce qui l’entoure, Doudou nous propose un univers où la poésie, la bienveillance et l’innocence prennent possession des murs. Artiste à l’énergie renouvelable, elle ne cesse de surprendre par ces différents styles : réaliste, BD ou encore onirique, bien que le panda soit son animal Totem. Au fil des années, l’artiste développe son style et s’exprime alors sur tous les supports qui lui sont proposés : toiles, murs ou encore vêtements. Son art se peaufine et se nourrit à travers l’échange, les rencontres et le partage, avec de nombreuses collaborations artistiques à travers le monde.

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

« Pinky Lady et son panda roux »

Accompagnée de mon animal totem le panda (Roux pour l’occasion), représentée avec ses lunettes Girly en forme de cœur, elle pose et contemple la vie quotidienne des passants et de Briochin… »Funny », « Punky « .… avec sa petite moue mignonne Pinky Lady est là pour donner de l’énergie, de la joie dans votre quotidien.

Né en 2014, le DIASPORA est réparti entre Brest, Lorient, St-Brieuc, Nantes, Vannes et Rennes. Ce Crew a vu le jour grâce a 2 Graffeurs Lorientais (KAZ et EZRA), désireux de créer un groupe graffiti spécialisé dans la fresque version XXL. Professionnels de cet art, les initiateurs du projet développent une démarche artistique basée sur la performance, l’originalité et la qualité technique. Pour ce faire, les deux artistes organisent depuis 8 ans le festival Graffiti « Unies Sont Nos Cultures  » à Lorient, l’un des plus gros évènements Graffiti Bretons.

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

« La nature en ville »

Quand nous regardons, la maison de l’agglomération avec ses formes architecturales, ses volumes et ses arches, nous avons choisi de peindre des jardins suspendus, portant un regard sur la végétation luxuriante, avec des personnages légendaires faisant le lien entre le passé et le présent…. Le phœnix représente la régénération, le second souffle et sur la façade centrale nous avons représenté l’emblème de la ville Saint-Brieuc : le légendaire Griffon. Grâce à la nature nous avons cherché à donner de l’esthétisme au bâtiment et voulus passer un message que nous devons faire attention à la nature.

Gamo est un autodidacte qui se passionne très jeune pour le dessin et la peinture. Il passe son enfance entouré par les premières fresques graffitis qui commencent à recouvrir sa ville de Marseille, au début des années 90. Après avoir fait ses premières armes à l’âge de 17 ans, il se spécialise petit à petit dans l’illustration de personnages étranges, se nourrissant de différentes cultures qui, aujourd’hui, évoluent dans un monde en pleine mutation où la jungle se mêle aux vapeurs toxiques de la ville. Présent sur la scène locale depuis un peu plus d’une dizaine d’années, ses différents voyages lui ont permis de rencontrer un grand nombre d’activistes de la scène internationale. En 2014, il commence à participer à de nombreux évènements, projets et expositions dans différents pays. Il continue aujourd’hui de peindre et de développer son art à Marseille, sa ville natale.

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

« L’homme à l’allumette »

Attiré par la dynamique des mouvements du corps, en générale dans mon travail j’essaie de trouver des postures qui rendent mes personnages vivants. J’ai toujours préféré privilégier d’abord les « belles images » et « les beaux dessins » avant de penser à un sujet précis… Je laisse libre cours à l’imagination et à l’interprétation que peut faire le spectateur en regardant mes œuvres…

Chase, premier graffeur Kirghize, commence le graffiti il y a plus de vingt ans dans Bichkek la capitale du Kirghizstan. Depuis, il n’a jamais cessé de créer et de répandre son art dans les rues de son pays ou lors de ses voyages. « J’aime faire réfléchir les gens sur des choses, parfois évidentes, ou même juste les faire sourire. De toute façon, le Graffiti est la seule langue que je parle couramment ». Chase, créateur du festival « Basicolors », est un des piliers incontournables du street-art en Asie centrale.

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

« Une œuvre, un sourire » 

Mon idée du mur était de partager un sourire avec les citoyens de la belle ville de Saint-Brieuc. Afin de faire connaissance j’ai représenté une femme Kirghize, munie de la coiffe traditionnelle et de vêtements traditionnels. Sous ce visage lisse et joyeux, mon graffiti devrait rappeler à tout le monde, que peu importe ce qu’il se passe, il suffit de sourire, de partager et le monde fera de même !

Mate, artiste Italien, découvre le graffiti sur les murs de Milan il y a des années. De formation artistique, il plonge dans cet univers et développe rapidement un attrait pour le travail du réalisme.

S’appuyant sur une technique pointue, il développe un style plein de détails, mixant graphisme et photo réaliste. « Avec le temps, j’ai commencé à utiliser le dessin pour essayer d’envoyer des messages simples, compréhensibles même aux gens ordinaires, aux gens qui ne font pas partie du monde de l’art, qui parfois ne peuvent pas le comprendre. C’est ainsi que commence un nouveau parcours artistique, en 2016, visant à s’attaquer aux problèmes contemporains et qui concerne le monde entier, avec des contenus explicites et directs. Alors j’ai eu différentes idées, j’ai trouvé une lecture qui me permet de garder le même style à la fois sur le mur et sur la toile. Cela m’a permis de créer de grandes œuvres qui sont capables de transmettre un message les rendant communicatives et ouvertes à la compréhension de tous. »

Jin est né et vit à Milan (Italie). Il commence la peinture en 1998. C’est sa passion pour le dessin et la peinture qui le motive depuis ses débuts, ce sentiment de liberté en créant par lui-même, laissant courir son imagination et cette atmosphère exaltante qui se créé en peignant avec ses amis et de nouvelles personnes venant du monde entier. Chaque mur/surface est un nouveau moyen de communiquer ce qu’il a pu ressentir à une période/moment ou lieu de sa vie et traduit ce qu’il est, tout simplement. Lorsqu’il créé d’étranges personnages dans différents décors/univers, cela reflète une expérience personnelle ou ce qu’il peut vivre à un instant donné, une véritable introspection.

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

« Notre vision de la Bretagne »

Pour la seconde édition du Just Do Paint, nous avons réfléchi à un projet qui représente la région et les légendes Bretonne. Nous avons choisi de travailler sur Astérix et Obélix parce qu’ils représentent, pour nous, parfaitement l’âme de la Bretagne. Ils sont un symbole du peuple breton. Obélix représente le « vrai celtique » mais aussi le côté comique, amusant… au contraire d’Asterix lui représente la raison, le sérieux..Merci à tous de nous avoir permis de partager ces moments avec vous à Saint-Brieuc … Plein d’amour à tous.…

ACTION est né en 1985 dans la Nièvre et découvre le dessin avec son grand-père. Il se dirige vers de nombreuses formations et obtient entre autres un diplôme de menuiserie et de dessin industriel. Passionné par la culture hip hop ainsi que par la peinture de lettres complexes dès son adolescence, il se détourne du « costard-cravate » en 2013 pour se consacrer pleinement à l’activité artistique en tant qu’intervenant culturel spécialisé en arts urbains. Dès lors, il s’implique dans de nombreuses associations et devient l’un des membres fondateurs du MOCHECREW puis de LA MAISE, collectif d’Arts urbains.

KAT est de la même génération. Originaire de l’Essonne, elle évolue dans une famille sensibilisée aux Arts et se consacre à la peinture dès son plus jeune âge. Après un master en Art et un DU en art-thérapie, elle travaille en tant qu’intervenante artistique à son propre compte avant de se lancer dans une démarche davantage personnelle. Elle s’intéresse alors à la scène Street Art, rencontre ACTION et intègre le collectif de LA MAISE. Depuis, elle s’exprime sur toile mais également sur mur.

Ces deux artistes joignent leur métier à leurs inspirations personnelles pour former un duo qui partage pinceaux, bombes et même leur propre toit ! Ils parcourent l’Europe ensemble, à la recherche de nouveaux murs et collaborent sur un nouveau projet KAT&ACTION. Complémentaires, ils composent un univers graphique très coloré.

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

« Les martins pêcheurs… préoccupation environnementale « 

Nous avons souhaité aborder le thème des martins-pêcheurs. La surface à peindre était un peu technique et nous a donné l’occasion de créer plusieurs tableaux. En haut à droite, le couple de Martin pêcheur se parle alors que dans la partie basse nous avons représenté l’oiseau pendant sa chasse. Notre peinture représente la fusion entre deux êtres, deux styles de peinture : le graffiti géométrique et l’illustration. C’est un travail de couple : chacun son style et réussir à « se mélanger » sans prendre le dessus sur l’autre… une bonne alliance. Le turquoise et l’orange sont notre code couleur actuel… nous vous laissons donc apprécier … Longue vie à Saint-Brieuc.

Mr. Blob est un graffeur et illustrateur italien né en 1988. Sa recherche artistique a un trait personnel particulier parce que, non capable de compléter son diplôme d’art, il construit sa propre carrière de technicien-artistique autodidacte. C’est ainsi qu’il plonge dans le « l’underground », la culture et ses divers arts et facettes.
Les murs de sa ville natale deviennent un support pour ses premières œuvres
et l’expérimentation technique lors de ses premières années créatives. M. Blob choisit de grands formats qui expriment pleinement sa poésie de la liberté et où aucun détail n’est laissé au hasard. Au cours de ses 20 ans de carriére, poussé par les améliorations de ses capacités, il déménage à Milan, où il trouve une scène artistique riche et diversifiée. Il commence alors ses collaborations avec d’autres artistes de toutes les parties d’Italie, ce qui le conduira à participer à différents événements en Europe et Outre-mer.
À Milan, Blob établit son style unique en raison de ses sujets. Au départ, il ne s’agissait que d’une distorsion de la réalité. Ses personnages apparaissent avec des visages et des corps déformés, et tous partagent une large vision réaliste visant à raconter une histoire personnelle. Au cours des dernières années, de nouveaux personnages appartenant aux mondes humain et animal dominent son art. Ses protagonistes sont principalement d’irrationnels êtres vivants qui agissent selon leur instinct, comme l’artiste avec ses illustrations. Chaque espèce animale perçoit la réalité d’une manière différente et développe des fonctionnalités qui sont adaptées à un contexte spécifique. C’est cela qui inspire M. Blob pour présenter des créations mettant en évidence ces « sens surnaturels », presque magiques. Les caractéristiques de chaque personnage sont rehaussées par l’utilisation de couleurs, qu’il mélange, crée et refaçonne de façon experte comme dans un rituel magique.

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

« La Gargouille »

Saint-Brieuc est une ville que je ne connaissais pas, aujourd’hui avec internet nous pouvons nous renseigner sur les villes ou nous sommes de passage… Suite à ces recherches j ai souhaité peindre une Gargouille Bretonne cassant sa coquille de pierre pour laisser place à la vie remplie de couleurs et d’effets magique. Il s’agit d’une distorsion de la réalité,  une large vision réaliste visant à raconter une histoire personnelle. 

Gildas Chasseboeuf vit à l’entrée du port du Légué, le port de Saint-Brieuc. Depuis plus de vingt ans, dans ce port tout en longueur, se croisent caboteurs, chalutiers, voiliers et bateaux traditionnels. De sa fenêtre, Gildas Chassebeoeuf, crayons et pinceaux en main, en fait une chronique chaleureuse et subtile où l’instant, chargé de saveurs d’éternité, entraîne le lecteur dans un univers poétique inattendu. Deux ouvrages relatant ce voyage immobile ont été édités : « Carnet du port » et « Éléments du port ». Gildas Chasseboeuf a entre-autres publiés « Carnet de chantier » et « Les fleurs de Tchernobyl » avec Emmanuel Lepage, et tout récemment l’ « Abécédaire du Grand Léjon ».

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

« Un chalutier en mer d’Irlande »

J’ai voulu donner une image forte de la côte nord de la Bretagne et de la ville de Saint- Brieuc. Au travers de ce chalutier, j’évoque le côté maritime fort de la baie. Ce chalutier, à travers la tempête, embarque le spectateur dans la vague qui est souvent le quotidien du marin pêcheur. Au delà de l’image, ce chalutier symbolise également la fragilité de l’humain face à la puissance de la nature. Le choix de la couleur sépia apporte un côté intemporel à l’œuvre et renforce la dureté des éléments.

Flex est un street artiste autodidacte originaire de Saint-Brieuc. Il débute le graffiti en 2015. Inspiré par un univers personnel délirant et une créativité débordante, Flex se spécialise dans les personnages Pin-Up et autres décors, mélangeant des scènes de vie imaginaires, colorées et dynamiques pour vous faire voyager dans son univers. 

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

« La grande-petite sirène »

Sous le passage direction place du Chai, vous pourrez voir la petite sirène « Ariel « … qui a bien grandit ! Je l’ai représentée avec des couleurs chaudes… un coucher de soleil… une sirène très féminine et actuelle avec des formes volumineuse ! Cette sirène symbolise la mer, notre belle Bretagne et ses légendes… Pour le plaisir des petits et des grands, peut être que vous la croiserez un jour dans la Baie de Saint-Brieuc…

Astus² est un graffeur du sud de la France, de Perpignan pour être plus précis. C’est à la fin des années collège, au détour d’un fanzine INTOX, qu’il découvrit le graffiti. Une découverte qui changera sa vie : formes, couleurs, formats démesurés, le tout avec un soupçon d’adrénaline. C’est alors une évidence. La suite l’amène à choisir un cursus artistique tout en gardant pour lui cette passion. Il explore alors de nouvelles techniques : la vidéo, la photo ou encore le volume. Mais son plus grand plaisir reste la pratique du spray. C’est donc ainsi que, depuis le début des années 2000, il fait évoluer son style au gré de ses envies tout en gardant pour objectif le travail de la lettre. Actuellement, son art mêle lettres et illustrations ciblées un peu cartoon, lettrages et personnages ainsi que d’autres éléments s’associant à merveille pour ne faire qu’un.

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

« Assemblage Breton »

Pour cette réalisation, il m’a semblé intéressant de partir d’un chalutier symbole incontournable de la Bretagne à mes yeux. L’envie de construire par assemblages d’éléments (à la base nomades) avec un phare breton, qui est le symbole de l’arrivée sur une terre pour s’y sédentariser. A vous de voyager !

Morne est un « Street graffiti artist », invitant le spectateur à un voyage. Muraliste, constructeur d’installation, peintre, sérigraphe et illustrateur, son travail est aussi minutieux que gigantesque. Il découvre le graffiti dans le début des années 1990. En 2006, son travail se lance dans l’exploration du « freestyle », où la rigidité des lettres s’efface au profit d’une liberté totale de couleurs, de matières et de mouvements, laissant place à l’accident créatif, renouant ainsi avec l’imaginaire sans limite de l’enfance.

Né en 1990, le travail de Dem Dillon est un artiste plasticien urbain centré sur la matière. Il s’est rapidement orienté vers la reconstitution d’un panthéon postmoderniste, et l’inclusion de l’humain dans cet univers. Fasciné par leurs physiques et leurs émotions, il sculpte des corps de femme grâce à la technique du moulage au plâtre et les met en exergue avec des matériaux de récupération dans ses scénographies. Il inclut ces corps dans des installations à petite, moyenne ou grande échelle représentant un univers à la fois technoïde, urbain, fantastique et onirique. Ses œuvres reflètent ainsi  une fusion des genres, par ses références à la sculpture classique au sein d’un art urbain, et des matières et textures au travers de sa méthode de travail.

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

« Légende antique de Bretagne »

Habitués à travailler conjointement, les artistes Dem Dillon et Morne Eruof, ont réalisés une installation d’art s’inspirant des légendes antiques de la Bretagne.Des récits contemporains des marins de la région, aux mythes fondateurs de la culture celtique, le duo d’artiste, désireux de plonger le spectateur en immersion totale, travaillera en noir et blanc à la ré incarnation d’un panthéon d’êtres et histoires légendaires.

Assistés par l’artiste visuel NMo Art et  le menuisier scénographe briochin Ben Duff, une vidéo de cette œuvre sera proposée in situ afin que le spectateur puisse visualiser le processus créatif de ce recueil de traditions orales bretonnes, qui ainsi restera « gravés dans le temps ».

F. Le Braz, aka Krol, pratique le graffiti depuis 20 ans. Doté d’une formation en animation 3D, il commence à travailler le vidéo mapping en 2015, technique consistant à projeter des créations visuelles sur un écran, un volume ou une architecture. monumental, et l’aspect éphémère de la réalisation. L’objectif est de tendre des ponts entre ces disciplines, donner vie à la peinture grâce à la projection lumineuse. C’est également la rencontre de deux univers artistiques, le graffiti et le motion Les deux techniques semblent s’opposer. L’une est concrète, faite de matière, tandis que l’autre est digitale. Mais il existe aussi des points communs entre elles : le support mural, le format design.

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

« Mapping Graffiti »

Graffeur depuis 20 ans et infographiste depuis 10 ans, j’ai voulu mélanger les deux disciplines grâce à la video projection. L’art de la rue, le Graffiti a créé ses propres codes mais a également su s’enrichir des nouvelles technologies.

Pour ce projet, toutes les vidéos ont été conçues sur des logiciels de 3D ou d’animation. La composition mélange des éléments architecturaux et des thématiques propres au graffiti. À partir de là, j ai sorti des séquences vidéos faisant varier les textures et l’éclairage sur la 3D. Reprenant la structure, j’en ai tracé les lignes principales sur le mur de projection.

Enfin, j’ai mixé les vidéos en direct pendant la soirée, créant des animations de couleur et de matière sur le mur peint. Grâce à la projection, le graffiti vit et s’illumine dans sa dimension monumentale.

Matthias est un photographe plasticien autodidacte engagé dont la pratique pluri- disciplinaire mêle la peinture, la sculpture de la matière et celle de l’image conçue, elle aussi, comme matériau noble et façonnable. Il aime transformer et subvertir les codes, les genres, les origines en utilisant le corps comme un support pour ses créations lorsque celle-ci ne sont pas directement intégrées à des lieux. Fasciné par le travail de la matière, il la sculpte, la transforme, la modèle et en mélange les éléments aux travers de photographies ou d’installations utilisant le plus souvent des matériaux recyclés.

Adjo est un artiste peintre, illustrateur et designer indonésien, fraîchement installé à Nantes. Artiste complet, Adjo s’évertue à utiliser tous les matériaux qu’il peut avoir à sa disposition pour exprimer son art qu’il se veut transdisciplinaire. Il aime utiliser des matériaux originaux tels que le marc de café qu’il détourne en encre afin de réaliser ses portraits appelés « coffeecature ». C’est à Sumatra en Indonésie qu’Adjo a grandi exerçant son art dès qu’il le peut dans la rue se nourrissant de la richesse multiculturelle indonésienne.

L’HISTOIRE DE L’ŒUVRE :

Comme l’année dernière le cube lumineux trône au milieu de « The central Place » et cette année les deux artistes plasticiens : Tias et Adjo, nous ont offert une création basée sur le recyclage, la récupération et la nature. Ces deux d’artistes « touche à tout » aiment les matières et la lumière sur tous les supports. Ils sculptent, dessinent, collent, transforment, coulent, découpent pour réaliser des œuvres atypiques et uniques inspirées de la nature et du monde qui les entoure. Nous avons réalisés une installation dans laquelle les mots « recyclage » et « beauté artistique » ne feront plus qu’un.

Jonathan Santré évolue dans le monde de la pâtisserie et la sculpture sur glace hydrique depuis plus de 10 ans et offre aux spectateurs une démonstration unique et éphémère. Originaire de Saint-Brieuc, Jonathan a sculpté dans un bloc de glace un lettrage graffiti en live en live un Glace’ffiti « JDP » Une exclusivité Just Do Paint.

Né le 14/03/1981 à Saint-Brieuc, Ozlight PicsMaker’Z croise le chemin de William Klein et Martha Cooper en 2008. Ces rencontre déterminent sa passion pour la photographie.

Un C.A.P en poche et quelques stages plus tard (notamment à l’école de l’image des Gobelins), il devient photo-reporter pour le journal le Penthièvre.

Son évolution et la reconnaissance de la qualité de son travail photographique le mènent à collaborer avec de nombreux artistes et entreprises, et plus particulièrement avec le collectif TSFcrew et le réseau d’artistes artisans Maker’Z dont il deviendra le photographe officiel.

Également présent et intéressé par la photo de scène et plus particulièrement le Hip Hop, il voit passer à travers son objectif des groupes comme I.A.M, Swift Guad, Raggasonic et bien d’autres (pour ne citer que les plus connus).

Dans le même temps, il réalise ses premiers reportages aux USA (New-York, Miami, Philadelphie) et en Europe, documentant notamment de nombreux festivals internationaux d’art de rue.

A l’heure actuelle, Ozlight PicsMaker’Z continue son travail photographique sur les arts urbains et la ville en général, tout en développant un travail de commande au service des entreprises, agglomérations, artistes et particuliers.

Ozlight ne respecte aucune des règles élémentaires de la photographie, seul son œil aiguisé, sa violence et son humanité le guident.

Depuis maintenant 5 ans je me consacre à ma passion la photographie. C’est un moyen d’expression qui me permet de susciter de l’émotion et de partager. Mon grand-père, déjà, prenait des photos et des films de ses vacances. J’aime saisir les instantanés de la vie courante. J’aime suivre les événements artistiques et sportifs. C’est ce qui m’a poussé tout naturellement vers le Street Art et le festival Just Do Paint. C’est pour moi un art a part entière. Je m’intéresse également au portrait, au paysage et au graphisme.